La nova proposta del Museu del Prado situa la fotografia històrica al centre del relat, utilitzant la càmera com a fil conductor per entendre com els artistes van construir la seva imatge pública, el seu entorn de treball i la seva memòria visual entre mitjans del segle XIX i les primeres dècades del XX. L'exposició titulada L'univers de l'artista davant de la càmera, convida a mirar pintors i escultors no a través dels seus quadres o escultures, sinó de les fotografies que els van retratar al seu dia a dia professional.
Lluny de ser una mostra anecdòtica, el projecte es recolza en la creixent i encara poc coneguda col·lecció de fotografia històrica del Prado, una de les seccions més recents de la pinacoteca i també una de les més nombroses. A partir d'una selecció de 32 imatges, el recorregut planteja com la irrupció de la fotografia va transformar la representació de l'artista, la posada en escena del taller i la documentació del procés creatiu, en un període de 80 anys.
Una exposició sobre art i fotografia al cor del Prado
l'exhibició explora l'enllaç entre art i fotografia des de la dècada de 1850 fins als anys trenta del segle XX, un tram temporal en què la càmera es va consolidar com a eina essencial per fixar la imatge del creador i el seu entorn. El visitant es troba amb retrats individuals i de grup, vista d'estudis i escenes que capten diferents fases del treball artístic, des dels primers esbossos fins a les obres gairebé concloses.
L'enfocament no es limita a mostrar cares cèlebres: la selecció reconstrueix un autèntic mapa visual de l'ecosistema artístic, on es barregen acadèmies, estudis privats, espais improvisats i escenaris a l'aire lliure. L'artista apareix posant amb solemnitat, en actitud distesa amb companys o immers en la seva tasca, mentre la càmera registra l'atmosfera del taller i els objectes que el defineixen.
En situar aquestes imatges en el context europeu del segle XIX, l'exposició permet entendre com la fotografia es va convertir en un mitjà clau per a afirmar la identitat i l'estatus professional. El retrat fotogràfic va passar a ser una carta de presentació davant de col·legues, clients, institucions i públic, i va donar lloc a un llenguatge propi en què les posis, la indumentària i l'atrezzo parlen tant com les cares.
La mostra enllaça a més amb la línia de treball que el Prado desenvolupa al voltant del mitjà fotogràfic, continuant el camí obert per iniciatives recents dedicades a la fotografia com a memòria compartida del museu. D'aquesta manera, l'exposició no només il·lumina els artistes retratats, sinó també la manera com les institucions d'art han anat integrant la fotografia al seu relat.
En paral·lel, el recorregut subratlla que aquestes imatges són fruit d'una xarxa de fotògrafs professionals i aficionats, alguns molt reconeguts a la seva època i altres anònims. Les seves mirades, tècniques i recursos componen un mosaic on es creuen intencions documentals, comercials i, de vegades, obertament artístiques.
El programa Magatzem obert i la sala 60 de l'edifici Villanueva
L'exposició s'emmarca en el projecte Magatzem obert del Museu del Prado, que té com a objectiu donar sortida a fons del segle XIX que habitualment romanen en reserva. Aquest programa es desenvolupa a la sala 60 de l'edifici Villanueva, un espai concebut per oferir mostres de petit format centrades en artistes, tècniques o temes concrets.
Des de la seva obertura el 2009, aquesta sala ha acollit monografies dedicades a figures com Sorolla, Rosers o Pradilla, així com propostes que revisen qüestions tècniques o temàtiques vinculades al XIX. En aquest context, L'univers de l'artista davant de la càmera és la segona exposició monogràfica centrada exclusivament en fotografia amb fons propis del Prado, després de la mostra El Prado multiplicat: la fotografia com a memòria compartida.
El format de Magatzem obert permet apropar al públic obres que poques vegades s'exposen, en aquest cas còpies fotogràfiques d'època de gran valor documental. Es tracta de cartes de visita, targetes estereoscòpiques, albúmines, fototípies, postals i altres suports que reconstrueixen la presència dels artistes a l'esfera social i professional del seu temps.
Aquesta línia de treball també contribueix a ampliar la idea tradicional que molts visitants tenen del Prado, associada gairebé exclusivament a la pintura. El protagonisme de la fotografia a la sala 60 mostra que el museu està revisant les seves col·leccions des de perspectives més àmplies, on els fons gràfics i documentals guanyen rellevància per interpretar els segles XIX i XX.
En aquesta nova entrega del programa, la comissària Beatriz Sánchez Torija torna a encarregar-se de la selecció i el discurs, articulant una lectura que combina dades històriques, valors estètics i anàlisi de context, però sense perdre de vista el component humà que treu el cap en cada retrat.
Retrats, estudis i escenes de treball: l'artista davant de la càmera
El nucli de l'exposició el formen 32 fotografies que n'ofereixen una visió plural de l'artista com a individu i com a membre d'una comunitat. Hi ha retrats formals, col·lectius posats, imatges d'estudi i fotografies que s'aturen en detalls del procés creatiu, com maquetes, guixos intermedis o llenços en diferents fases.
Una de les peces que obre el recorregut és una fotografia de grup presa a l'estudi d'Àngel Alonso Martínez, adquirida pel Prado el 2012. Hi posen artistes vinculats a l'Acadèmia de Belles Arts de San Fernando juntament amb alguns dels seus professors. El gran taller de vidre, amb teulada a dues aigües, evidencia com aquests espais funcionaven com a lloc de treball, formació i sociabilitat.
El visitant pot aturar-se també davant vistes panoràmiques del taller de Mariano Fortuny a Roma, construïdes a partir de dues plaques contigües que amb prou feines deixen veure la unió. L?estudi apareix gairebé com un gabinet de meravelles, ple d?objectes, obres, teles i mobiliari que parlen tant del gust de l?artista com de la seva manera d?entendre la creació.
L'exposició també recull imatges del estudi de Federico de Madrazo a Madrid, del taller de Lluís de Madrazo o de l'escultor Agustín Querol al costat d'una al·legoria de les arts destinada al frontó de la Biblioteca Nacional. En altres fotografies es veuen artistes espanyols a Roma, escenes al pati del Quart Daurat de l'Alhambra o moments més distesos, com els pintors Jaime Morera i Agustín Lhardy caracteritzats com a cuiners.
Aquestes escenes mostren que l'estudi de l'artista no era només un lloc de producció silenciosa, sinó també un punt de trobada i un escenari acuradament construït. Les fotos deixen veure des d'entorns recarregats i gairebé teatrals fins a espais més sobris on dominen cavallets, escultures inacabades i piles de teles.
A través d'aquest conjunt s'aprecia com, a la segona meitat del segle XIX, acudir a un estudi fotogràfic es va convertir en un esdeveniment social i professional. A les ciutats van proliferar les anomenades «cabanes de vidre», tallers molt lluminosos situats als terrats o pisos alts que aprofitaven la llum natural per millorar la qualitat de les imatges.
De les cartes de visiteu a l'autocrom: tècniques i suports fotogràfics
A més del contingut iconogràfic, la mostra presta atenció a la evolució tècnica de la fotografia entre dos segles. El recorregut inclou exemples de papers a l'albúmina, platinotips, gelatines sobre paper i còpies sobre cartró, juntament amb suports menys freqüents com a imatges sobre ferro o vidre.
Un dels aspectes més cridaners és la presència de una única fotografia en color dins del conjunt: un autocrom estereoscòpic de l'escultor Miguel Blay, datat entre el 1904 i el 1910 i d'autor desconegut. Es tracta d'una de les imatges en color més antigues que conserva el Prado, donada el 2020, realitzada amb el sistema Autochrome patentat pels germans Lumière al començament del segle XX.
En aquesta imatge, Blay apareix a l'aire lliure, recolzat sobre un fons vegetal i sense mirar directament a la càmera, cosa que suggereix una relació de confiança amb la persona que el fotografia. Els verds, blancs i tons de pell s'aprecien quan la peça s'il·lumina de forma específica, cosa que afegeix una dimensió gairebé íntima a la trobada entre artista i objectiu.
L'exposició recorda que la col·lecció de fotografia històrica del Prado, formada en gran mesura gràcies a donacions des de començament del segle XXI, suma més de 10.000 registres i no deixa de créixer. Tot i la seva amplitud, continua sent una de les parts menys conegudes de la institució, per la qual cosa projectes com aquest ajuden a visibilitzar-la.
Pel que fa als formats, abunden les cartes de visite i targetes «París» destinades al retrat individual, així com composicions de grup en mides més grans. També hi ha targetes promenade, pensades per a retrats de cos sencer més estilitzats, i exemples de postals o fototípies que mostren com la imatge de l'artista circulava més enllà del cercle estrictament professional.
Artistes protagonistes: dels Madrazo a Miguel Blay
Bona part de les obres exposades procedeixen de arxius d'artistes espanyols del segle XIX i començaments del XX. Entre els noms destacats figuren Luis i Federico de Madrazo, Dióscoro Puebla, Cecilio Pla, Miguel Blay, Agustín Querol o Mariano Fortuny, juntament amb altres creadors menys coneguts per al gran públic.
La saga dels Madrazo ocupa un lloc rellevant, amb imatges d'estudis familiars i reunions a espais emblemàtics. Una de les fotografies presenta la família al pati del Quart Daurat de l'Alhambra, on la càmera capta tant l'arquitectura nassarita com l'actitud relaxada dels retratats, com Cecilia de Madrazo i el seu marit, Mariano Fortuny.
Al terreny de l'escultura, la figura de Miguel Blay adquireix un protagonisme especial. A més de l'autocrom esmentat en color, el Prado conserva tres escultures seves, i l'exposició inclou una fotografia de l'obra Eclosió al seu estudi, presa pel fotògraf Julio Torres Vivancos en una còpia en gelatina sobre paper muntada en cartró, datada el 1904. L'enquadrament, que mostra un escorç poc habitual des de la part posterior de la peça, permet apreciar detalls del modelatge que passen desapercebuts en una vista frontal.
Una altra imatge recull el carnet d'expositor de Blay a l'Exposició Universal de París del 1900, on el seu retrat apareix en format de carte de visiteu. Aquest document il·lustra fins a quin punt la fotografia es va integrar als circuits oficials de l'art, acompanyant els creadors en certàmens internacionals i grans cites culturals.
El conjunt es completa amb instantànies en què apareixen altres artistes en contextos diversos: l'escultor Agustín Querol juntament amb una al·legoria monumental de les arts, el pintor Benlliure retratat amb l'escriptor Federico García Sanchiz al taller del primer, o grups de creadors espanyols en estudis de Roma com el d'Altobelli i Molins.
A través d'aquests exemples, la mostra revela com la fotografia va actuar com a aliada de pintors i escultors, acompanyant-los a la seva vida quotidiana, documentant els seus encàrrecs i contribuint a fixar la memòria de les seves obres i dels qui les van fer possibles.
Dones artistes i la presència femenina a les imatges
En un escenari històric dominat per figures masculines, l'exposició presta atenció a la presència, encara minoritària, de dones artistes a les fotografies. Encara que a les grans instantànies de grup preses en tallers i estudis s'aprecia una absència gairebé sistemàtica de creadores, alguns retrats individuals demostren que hi va haver dones que van aconseguir obrir-se pas a la professió.
Un exemple significatiu és el retrat de María Luisa de la Riva al seu estudi parisenc cap al 1900. Amb 41 anys, apareix subjectant paleta i pinzell, en una imatge que la presenta sense complexos com a pintora professional que treballa per viure, no com a aficionada. L'enquadrament i el posat reforcen aquesta condició, subratllant-ne l'autonomia i la trajectòria.
També hi és present la pintora Fernanda Francés, fotografiada per Fernando Debas en una targeta promenade datada entre el 1875 i el 1883. Aquest format de retrat de cos sencer, més estilitzat, contribueix a mostrar l'artista amb una presència pública sòlida en un món que tot just començava a admetre-les a l'esfera acadèmica i expositiva.
Al costat d'aquests noms, la mostra inclou imatges de alumnes als tallers de Cecilio Pla o Manuel González Santos, testimoni gràfic de com algunes dones van començar a integrar-se a l'ensenyament artístic reglat. Tot i que encara en minoria, la seva aparició a les fotos indica que el canvi social ja estava en marxa.
En contrast, entre les 32 peces seleccionades no se n'ha identificat cap fotografia signada per una dona, cosa que la conservadora de la col·lecció considera significatiu. No es descarta que després d'algunes obres d'autor desconegut hi pugui haver fotògrafes, però de moment falten estudis que ho confirmin, cosa que obre un camp de recerca pendent al voltant de l'autoria femenina.
Una mirada tècnica i històrica a 80 anys de fotografia
L'arc temporal de l'exposició inclou aproximadament vuit dècades d'evolució del mitjà fotogràfic, des del decenni de 1850 fins als anys trenta del segle XX. Durant aquest període se succeeixen canvis tècnics, comercials i culturals que afecten directament la forma de representar l'artista i el seu entorn.
En les primeres dècades, la fotografia oferia la possibilitat de fixar amb precisió una realitat inestable, una cosa especialment valuosa per als que treballaven amb models, escenografies complexes o projectes monumentals. A poc a poc, el retrat es va anar consolidant com un dels grans gèneres del nou mitjà, associat a l'afirmació d'identitat i de prestigi social.
Les imatges conservades mostren com les posis, els objectes elegits i la vestimenta construeixen un discurs visual sobre cada artista: alguns s'envolten de quadres i escultures per reforçar-ne l'estatus, d'altres prefereixen una escenografia més sòbria, i no falten els que es presenten en actituds més relaxades, gairebé de complicitat amb el fotògraf.
Alhora, la competència entre estudis fotogràfics va impulsar la diversificació de formats i presentacions. Les cartes de visite i les targetes «París» van facilitar la circulació de retrats individuals, mentre que els grans formats i les composicions en grup responien a la demanda d'acadèmies, associacions i cercles professionals.
L'exposició del Prado sintetitza aquesta història tècnica i social mitjançant un conjunt de peces majoritàriament inèdites per al públic, i ho fa des d'un enfocament que combina investigació especialitzada i accessibilitat. El visitant pot seguir el fil d'aquests canvis sense necessitat de dominar l'argot tècnic, però amb prou detalls per comprendre la importància de cada avenç.
La proposta es manté oberta al públic fins al 5 de juliol a la sala 60 de l'edifici Villanueva del Museu del Prado, oferint una ocasió singular per treure el cap a un capítol poc visible de la història de l'art: el moment en què la càmera es va convertir en aliada dels artistes per definir com volien ser vistos i recordats.
El conjunt de fotografies reunides a L'univers de l'artista davant de la càmera dibuixa un retrat complex i matisat de la vida artística entre el XIX i el XX: tallers convertits en escenaris, artistes que s'afirmen davant l'objectiu, tècniques en canvi constant i una col·lecció fotogràfica que el Prado treu a la llum per mostrar com la imatge del creador es va construir tant amb pinzells i cisells com amb plaques, negatius i autocroms.
