El postimpressionisme a l'art és un d'aquells temes que, com més el coneixes, més entens per què la pintura moderna va fer un gir tan radical en tan poc temps. Encara que soni a etiqueta acadèmica, darrere d'aquest terme hi ha biografies intenses, experiments tècnics a la bogeria i una autèntica revolució en la manera de mirar el món.
El més curiós és que cap artista es va sentir “postimpressionista” mentre vivia. Només pintaven a la seva manera, moltes vegades en solitud, gairebé sempre incompresos, sense imaginar que dècades després els seus quadres serien els més cotitzats del mercat i que la crítica els convertiria en pilars de l'art contemporani.
Què és el postimpressionisme i d'on surt el terme
Quan parlem de postimpressionisme ens referim a un conjunt d'estils pictòrics sorgits a França entre el 1880 i els primers anys del segle XX , aproximadament entre el 1875 i el 1905 segons alguns historiadors, o entre el 1886 i el 1914 si seguim les cronologies més àmplies. No va ser un moviment amb manifest ni regles tancades, sinó un període en què una generació d'artistes va decidir anar més enllà de l'impressionisme.
Aquests pintors, com Paul Cézanne, Vincent van Gogh, Paul Gauguin, Georges Seurat o Henri de Tolosa-Lautrec , van partir de l'experiència impressionista —color vibrant, pintura a l'aire lliure, interès per la llum canviant—, però van rebutjar la seva dependència de la pura sensació visual. El seu objectiu ja no era només atrapar un instant fugaç de llum, sinó expressar emocions, idees i visions molt personals del món.
El terme postimpressionisme no el van inventar ells, sinó la crítica. Roger Fry, crític britànic , el va utilitzar el 1910 en organitzar a les Grafton Galleries de Londres l'exposició “Manet and the Post-Impressionists”, on va reunir obres de Cézanne, Gauguin, Van Gogh i altres autors francesos moderns. La mostra va ser un autèntic desastre de públic i crítiques, però el nom es va quedar per sempre.
De fet, ja el 1906 s'havia fet servir la paraula a la premsa, i el crític Frank Rutter va parlar de “postimpressionistes” el 1910 abans de l'exposició de Fry, assenyalant artistes francesos moderns com a líders d'alguna cosa nova. A partir d'aquí l'etiqueta va començar a utilitzar-se per agrupar pintors joves que venint de l'impressionisme buscaven un llenguatge més expressiu i menys dependent de la mera observació.
Més tard, l'historiador de l'art John Rewald va acotar el postimpressionisme d'una manera molt influent: primer, al seu llibre “Història de l'Impressionisme” (1946), i després a “Postimpressionisme: de Van Gogh a Gauguin” (1956), on va fixar el període 1886-1892. Va planejar un segon volum, “De Gauguin a Matisse”, que ampliaria l'arc fins a la dècada de 1910, incloent moviments derivats com el fauvisme i els inicis del cubisme, encara que aquesta obra va quedar inacabada.
De l'impressionisme al postimpressionisme: ruptura i continuïtat
Per agafar bé què suposa el postimpressionisme, primer cal recordar què va ser l' impressionisme . A la França de la segona meitat del segle XIX, un grup d'artistes rebutjats per l'acadèmia —Monet, Renoir, Degas, Pissarro…— es va entossudir a pintar la llum i l'atmosfera del moment , sense preocupar-se tant per la línia clara ni pel dibuix acadèmic.
Els impressionistes treballaven a l'aire lliure, amb pinzellades ràpides i soltes , colors purs gairebé sense barrejar a la paleta, i una paleta que pràcticament desterrava el negre, perquè afirmaven que aquest color no existeix a la natura. Els motius solien ser escenes quotidianes, paisatges, ciutat moderna, lleure burgès; l'obra s'acabava amb rapidesa relativa per no perdre la sensació inicial.
La gran ruptura va consistir a abandonar l'estudi previ rígid i el dibuix minuciós per prioritzar la impressió fugaç que la realitat produïa en els seus sentits. No era tant l'objecte com la sensació òptica. L'espai ja no es construïa amb línies renaixentistes, sinó amb tocs de color que es fonien a la retina de l'espectador.
Tot i això, aquesta aposta per la instantaneïtat i la percepció tenia un preu: moltes vegades les formes quedaven desdibuixades, el volum es diluïa i la composició se subordinava a la vibració lumínica. Els artistes que després anomenarem postimpressionistes van admirar aquest avenç, però es van quedar amb ganes d'anar més lluny : volien recuperar estructura, forma, emoció i simbolisme sense tornar a l'academicisme.
De la disgregació del grup impressionista, una vegada que alguns van començar a aconseguir cert reconeixement i van seguir camins personals, va néixer aquest nucli de pintors que, amb el temps, anomenaríem postimpressionistes. Van prendre el color i la llibertat impressionista , però van buscar una pintura menys dependent de l'“aquí i ara” i més bolcada en la subjectivitat de l'artista , en el seu estat d'ànim i les seves idees.
Context històric i social: industrialització, ciutats i noves mirades
El postimpressionisme es desenvolupa en un final de segle XIX ple de canvis : la Revolució Industrial està en plena ebullició, els ferrocarrils connecten ciutats, l'electricitat transforma les nits urbanes i la burgesia creix com a classe dominant. Les grans potències colonials s'expandeixen, cauen vells imperis i la vida moderna s'accelera.
En aquest context, la cultura es massifica: premsa, cartells, publicitat, òpera, ballet … tot comença a arribar a un públic cada cop més ampli. L'art ja no depèn només de la noblesa o de l'Església; entren en escena els marxants, els col·leccionistes privats i els nous mecenes burgesos, encara que no sempre entenen (ni accepten) les propostes més radicals.
La fotografia i, poc després, el cinema, canvien també la manera de mirar. Si una màquina pot copiar la realitat , quin sentit té seguir fent quadres que només imitin el món visible? Aquesta pregunta sobrevola el cap de molts artistes i els empeny a explorar el color, la forma, l'emoció i la imaginació com a territoris propis de la pintura.
A més, creix l'interès per allò “un altre”: art japonès, art egipci, cultures no occidentals, art popular i “primitiu” . El japonisme influeix en enquadraments, colors i simplificació de formes, mentre que el primitivisme inspira temes exòtics i estils més ingenus o aparentment infantils, que en realitat són molt calculats.
Tot això es barreja amb un clima de desencís social i polític : molts artistes perceben que la modernitat porta progrés material, sí, però també solitud, alienació i crisi de valors. El refugi es busca al mateix món interior, al subconscient, a l'emoció pura. Aquí és on el postimpressionisme fa diana.
Principals característiques del postimpressionisme
Tot i que estilísticament els postimpressionistes són molt diferents entre si, podem assenyalar un nucli de trets comuns que ajuden a entendre per què s'agrupen sota aquest paraigua.
Subjectivitat per sobre de la versemblança
Fins al segle XIX, bona part de l'art occidental buscava imitar la naturalesa de forma versemblant . Amb el romanticisme i la ruptura es va fer un primer pas cap a la subjectivitat, i l'impressionisme va canviar l'enfocament cap a la percepció de la llum. Però en tots dos casos seguia havent-hi una certa fidelitat a l'aparença del món.
El postimpressionisme trenca aquest límit: les formes de la realitat es poden deformar, exagerar o simplificar si això serveix per expressar millor el que l'artista sent o pensa. Un cel pot ser un remolí de blaus impossibles, un rostre es pot tensar fins a semblar una màscara i un paisatge es pot reduir gairebé a taques de color.
En obres com “La noche estrellada” de Van Gogh , aquesta deformació és evident: el poble dorm tranquil, però el cel és un remolí còsmic que reflecteix l'estat mental del pintor. La versemblança interessa menys que la intensitat emocional.
Color amb funció expressiva i simbòlica
Els postimpressionistes s'apropien del descobriment impressionista del color, però ho fan servir de manera encara més lliure. El color ja no ha de correspondre's amb la realitat : pot ser arbitrari, simbòlic o emocional. Un rostre verd, un Crist groc cridaner o unes ombres vermelles són perfectament vàlids si ajuden a explicar alguna cosa sobre l'escena o l'estat d'ànim.
En quadres com “La visió després del sermó” o “El Crist groc” de Gauguin , les grans superfícies de color pla, molt contrastades, anul·len gairebé la profunditat i converteixen l'escena en una mena d'icona carregada de significats. El color es converteix en llenguatge, codi personal de cada pintor.
Pinzellada visible, textures i cerca de la matèria
Tot i les diferències, molts postimpressionistes mantenen la pinzellada gruixuda, curta i visible , heretada de l'impressionisme, però la porten més lluny: la superfície del quadre es converteix en un camp d'energia. A Van Gogh, per exemple, cada pinzellada és gairebé una fuetada emocional; a Cézanne, petits tocs modulats construeixen volums robusts; a Seurat, diminuts punts construeixen formes sòlides.
Aquesta atenció a la pinzellada ia la textura subratlla les qualitats materials de la pintura : l'obra no pretén enganyar ningú fent-se passar per “finestra a la realitat”, sinó que es reconeix com a objecte, com a superfície treballada, com a construcció conscient.
Exploració de noves tècniques i tendències formals
El postimpressionisme és també un laboratori de tècniques de pintura . Entre els recursos que es desenvolupen en aquest període podem destacar:
- Puntillisme o divisionisme: Seurat i Signac apliquen milers de petits punts de color pur, que es fusionen òpticament a la retina de l'espectador.
- Tendència a la geometrització: Cézanne redueix les formes de la naturalesa a cilindres, cons i esferes, anticipant el cubisme.
- Cloisonisme: superfícies de color planes delimitades per contorns gruixuts, com si fossin vidrieres, associat a Louis Anquetin i Émile Bernard.
- Sintetisme: recerca de síntesi entre forma, color i emoció en les obres de Gauguin i Bernard, amb èmfasi en allò decoratiu i simbòlic.
- Supressió o reducció de la profunditat espacial: moltes composicions semblen gairebé plans superposats, més properes als tapissos, icones o estampes que a la perspectiva tradicional.
Interès per allò exòtic, popular i “primitiu”
Molts artistes postimpressionistes es van sentir atrets per cultures alienes a la tradició occidental acadèmica . Gauguin va buscar inspiració a Bretanya, a l'art popular bretó, i després a Tahití i altres illes del Pacífic, on va pintar escenes tahitianes travessades per mites, religiositat i fantasies exòtiques (no exemptes d'un fort component colonial i problemàtic).
Henri Rousseau, per la seva banda, es va inventar literament les selves oníriques sense haver sortit de França: s'inspirava en llibres infantils, jardins botànics i zoològics, però construïa mons fantàstics que semblaven sortits d'un somni. Aquest gust per allò “ingenu” o “naïf” era en realitat una forma molt calculada d'allunyar-se de l'art acadèmic.
Artistes clau del postimpressionisme i les seves aportacions
Encara que la llista és llarga, hi ha un grapat de noms que es consideren el cor del postimpressionisme . Neixen, simplificant molt, algunes de les grans avantguardes del segle XX: de l'expressionisme al cubisme, passant pel fauvisme i el simbolisme pictòric.
Vincent van Gogh (1853-1890)
Van Gogh és potser el rostre més reconegut del postimpressionisme . Holandès d'origen només es va dedicar de ple a la pintura a partir dels 27 anys i va passar gran part de la seva breu vida a França. Va experimentar amb l'impressionisme i amb el japonisme, va admirar Gauguin i, a poc a poc, va anar creant un llenguatge propi a base de pinzellades ondulants i colors intensíssims.
La seva obra es caracteritza per un ús radical del color com a vehicle d'emoció : grocs encesos, blaus elèctrics, verds vibrants, pinzellades que semblen moure's. No pinta la realitat tal com, sinó tal com ell la sent, portant al límit la càrrega simbòlica del color. Per això se'l considera un precursor directe de l'expressionisme.
En quadres com Terrassa de cafè a la nit , el cel s'omple d'estrelles i el groc de la llum s'intensifica fins a tornar-se gairebé impossible a la natura: ja no es tracta d'imitar una escena nocturna, sinó de representar una sensació intensa de calidesa i vida. A “La noche estrellada” o als seus múltiples autoretrats, la pinzellada i el color compten tant com el motiu.
Durant la seva vida amb prou feines va vendre un quadre, va ser incomprès i va patir greus problemes de salut mental (inclosa la cèlebre autocuració de la seva orella). Avui, les seves obres —des dels Gira-sols fins a El dormitori a Arlés— són icones absolutes de l'art universal.
Paul Cézanne (1839-1906)
Paul Cézanne és considerat per molts com el “pare de l'art modern” . Va començar vinculat a l'impressionisme, però aviat es va distanciar per desenvolupar una investigació molt personal sobre la forma, el volum i la construcció de l'espai pictòric.
La seva gran aportació va ser reduir la naturalesa a formes geomètriques essencials —cilindres, cons, esferes— i construir els objectes mitjançant petites pinzellades modulades que van canviant de to, sense dependre del clarobscur tradicional. En obres com Les grans banyistes o els seus bodegons de pomes, s'aprecia com el món s'organitza en volums compactes i estructures fermes.
Aquesta manera de concebre la pintura va portar directament al cubisme . Picasso i Braque van veure a Cézanne la possibilitat de trencar definitivament amb la perspectiva renaixentista i d'analitzar la realitat des de múltiples punts de vista. Sense Cézanne, el cubisme no hauria estat el que va ser.
Paul Gauguin (1848-1903)
Gauguin va ser un personatge complex, tant a la seva vida com a la seva obra. Va abandonar la seva carrera burgesa per dedicar-se a la pintura, es va relacionar amb els impressionistes, però aviat es va bolcar en una recerca de puresa i simplicitat “primitiva” , que el va portar a Bretanya primer ia Tahití després.
El seu estil es reconeix per les superfícies àmplies de color pla, contorns marcats i composicions decoratives . Buscava la capacitat comunicadora de l'art popular i primitiu, carregant els seus quadres de símbols religiosos, mitològics o personals. Obres com "El Crist groc" (inspirat en una talla popular bretona) o "D'on venim? Qui som? On anem?" condensen aquest intent de crear una mena de pintura-símbol.
Els seus quadres tahitians, com “Dones de Tahití” , són avui molt famosos, però també han estat relectes críticament pel seu exotisme, la seva mirada colonial i la seva relació abusiva amb nenes polinèsies, com la jove de 13 anys amb qui va conviure ia la qual va pintar repetides vegades. El seu llegat artístic és enorme, però la seva biografia és, com a mínim, problemàtica.
Henri de Tolosa-Lautrec (1864-1901)
Tolosa-Lautrec és el gran cronista de la vida nocturna parisenca de final de segle . Acompanyat pel seu origen aristocràtic però bolcat en l'ambient bohemi, va freqüentar cabarès, prostíbuls i cafès concert, i va convertir aquests espais en el tema central de la seva obra.
La seva aportació principal està en l' ús de la línia i la composició heretats de l'estampa japonesa , en els enquadraments atrevits i en el paper del cartell com a obra d'art. Les seves litografies per al Moulin Rouge i altres locals són claus en la història del disseny gràfic.
En obres com “Al Moulin Rouge” , s'aprecia el seu traç nerviós, els contorns marcats i el gust per mostrar personatges marginals (ballarines, artistes, prostitutes) amb una barreja d'ironia, tendresa i cruesa. Tècnicament va combinar oli, pastís, guaix, litografia… sempre amb una enorme soltesa.
Georges Seurat (1859-1891) i Paul Signac (1863-1935)
Seurat sol classificar-se com a neoimpressionista , però la seva influència en el postimpressionisme és indiscutible. Amb un enfocament gairebé científic del color, va desenvolupar el puntillisme o divisionisme : l'aplicació de diminuts punts de colors purs que es barregen òpticament en ser vistos des de certa distància.
En quadres com “Tarda de diumenge a l'illa de la Gran Jatte” o “Banyistes a Asnières” , les figures deixen de ser borroses i es tornen sòlides i estàtiques, gairebé escultòriques, però construïdes a base de punts. L'interès per la vida burgesa —passeigs, lleure, circ— el manté proper al món impressionista, encara que la tècnica i el rigor compositiu el distancien clarament.
Paul Signac va continuar aquesta línia durant tota la seva carrera, aplicant el puntillisme en paisatges marins i escenes portuàries. La seva influència s'estendria als ferus ia altres moviments que van explorar el color intens i les estructures clares.
Henri Rousseau (1844-1910)
Rousseau, anomenat “El duaner”, és un cas a part. Autodidacta, funcionari de duanes, sense formació acadèmica , va ser ridiculitzat a la seva època pel seu estil ingenu, però admiredo per artistes d'avantguarda com Picasso.
Els seus quadres de selves fantàstiques, lleons, tigres i personatges somiadors –com “Tigre en una tempesta tropical”, “La gitana adormida” o “El somni”– es basen en observacions de zoològics i jardins botànics, i en il·lustracions impreses, no en viatges reals. La seva aparent poca traça encobreix composicions molt calculades i una potent càrrega onírica, que el vinculen al simbolisme i anticipen sensibilitats properes al surrealisme.
Subgèneres i corrents associats al postimpressionisme
Dins l'ampli paraigua postimpressionista trobem subgèneres, etiquetes temporals i escoles locals que ajuden a matisar aquesta diversitat.
Puntillisme i neoimpressionisme
Ja comentat en parlar de Seurat i Signac, el puntillisme va ser ridiculitzat per molts contemporanis per la seva aparença “mecànica”, però va suposar un pas important a l'exploració del color científic. Els artistes parlaven de vegades de divisionisme per subratllar la separació dels tons purs a la superfície pictòrica.
Cloisonisme, sintetisme i Escola de Pont-Aven
Al voltant de Gauguin i Bernard, ia l'ambient bretó de Pont-Aven , es van desenvolupar conceptes com el cloisonisme (contorns marcats que separen àrees de color pla, com a l'esmalt o les vidrieres) i el sintetisme (recerca de síntesi entre forma simplificada, color intens i contingut espiritual o simbòlic).
Aquestes etiquetes van tenir vida curta , però ajuden a entendre com els artistes van anar provant noms i fórmules per descriure els seus experiments. L'anomenada “Escola de Pont-Aven” no va ser tant una acadèmia formal com un grup canviant de pintors que treballaven per temporades a Bretanya, fascinats pel seu paisatge i el seu folklore.
Simbolisme pictòric
El simbolisme va ser un terme molt ben acollit per la crítica d'avantguarda al voltant del 1891, quan Gauguin va començar a ser vist com a líder d'aquesta tendència en pintura. Més que un estil tancat, el simbolisme és una actitud: el desig de fer servir imatges carregades de significats ocults, fantàstics, esotèrics, eròtics o irreals.
Molts postimpressionistes, com Odilon Redon, Les Nabis, fins i tot Rousseau , es van moure en aquesta òrbita, on l'important no era l'aparença del món visible, sinó l'evocació d'estats de l'ànima, somnis i visions interiors.
Japonisme i primitivisme
El japonisme va ser una febre tant a l'impressionisme com al postimpressionisme. Van Gogh admirava profundament els gravats ukiyo-e d'artistes com Hiroshige, fins al punt de copiar-los directament en obres com a Prunera en flor (després d'Hiroshige) o Pont a la pluja (després d'Hiroshige) . El fascinava la seva capacitat per capturar la natura amb pocs mitjans, la filosofia i l'alegria vital.
Pel que fa al primitivisme , s'associa sobretot amb Gauguin i, en un altre registre, amb Rousseau. Implica un interès per temes no occidentals, per una suposada innocència original i per formes simplificades, gairebé infantils. Aquesta fascinació aniria després a més en moviments com el cubisme, que va mirar cap a les màscares africanes i l'art oceànic.
Diferències entre impressionisme i postimpressionisme
Per aclarir bé la pel·lícula, convé resumir les principals diferències entre ambdós moviments , tenint en compte que molts artistes van passar per fases impressionistes abans de desenvolupar un llenguatge postimpressionista.
- Llum davant d'emoció: l'impressionisme se centra a captar els efectes de la llum natural i del moment; el postimpressionisme, sense abandonar la llum, afegeix una forta càrrega emocional i simbòlica.
- Objectivitat vs subjectivitat: la mirada impressionista és més objectiva i “òptica”; la postimpressionista és obertament subjectiva, de dins cap a fora.
- Forma i dibuix: l'impressionisme tendeix a dissoldre les formes; el postimpressionisme recupera l'interès per l'estructura, el volum i el contorn, encara que sigui des de nous enfocaments.
- color: a l'impressionisme la barreja es produeix a l'ull de l'espectador per juxtaposició de pinzellades; en el postimpressionisme el color s'usa com a símbol i instrument expressiu, de vegades mitjançant tècniques com el puntillisme o grans zones de color pla.
- Temes: els impressionistes prefereixen paisatges, escenes urbanes i de lleure; els postimpressionistes amplien el repertori a temes exòtics, marginals, religiosos, mitològics o psicològics.
En aquesta transició de l'impressionisme al postimpressionisme es gesten ja les avantguardes del segle XX : del fauvisme (que radicalitza el color) al cubisme (que sistematitza la geometrització de la forma), passant per l'expressionisme, el surrealisme o el futurisme, tots hereus, en major o menor mesura, de les apostes audaces.
Avui, en mirar el conjunt del postimpressionisme, queda clar que va ser molt més que un “després d'alguna cosa”: va ser el taller on es va provar, gairebé sense xarxa, la idea que l'art no havia de copiar la realitat sinó transformar-la en funció de l'emoció, el pensament i el punt de vista individual de l'artista. D'aquesta llibertat van néixer camins molt diferents, però tots van contribuir a canviar per sempre la nostra manera d'entendre la pintura.
